La Escultura Del Siglo XX
Los rasgos definitorios primordiales del arte
escultórico durante el siglo XX fueron la pérdida de la condición figurativa y,
a través del amplio abanico de opciones abierto por las sucesivas vanguardias,
la aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional,
convenientemente sometido a la acción o a la interpretación del creador.
Las vanguardias históricas
El espíritu rupturista de las denominadas
vanguardias históricas, que revolucionaron el mundo del arte durante las
primeras décadas del siglo XX, reavivó el interés por la escultura, que había
permanecido en segundo plano en épocas anteriores.
A este respecto cabe destacar como primera línea
evolutiva la de los escultores cubistas, futuristas y constructivistas.
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El Profeta. Pablo Gargallo.
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Pájaro en el espacio. K. Brancusi.
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Figura recostada. H. Moore.
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Móvil. Alexander Calder.
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Eduardo Chillida
Cubismo: a fines de la primera década del siglo
Pablo Picasso (1881-1973) y George Braque (1882-1963) crearon el cubismo. El
propio Picasso aproximó pintura y escultura a través de la técnica del collage
y desarrolló después su obra escultórica, fundamentalmente en hierro. Otros
artistas que, desde diferentes perspectivas, aplicaron los preceptos cubistas a
la escultura fueron Alexandre Archipenko (1887-1964), Jacques Lipchitz
(1891-1973) y Pablo Gargallo (1881-1934). En la obra de todos ellos se percibe
la articulación de planos y la síntesis de formas propias del cubismo.
Futurismo: la escultura del futurismo italiano
aportó dinamismo y percepción de movimiento a los principios cubistas de
descomposición de perspectivas. El más destacado escultor futurista fue Umberto
Boccioni (1882-1916).
Constructivismo: los escultores del constructivismo
ruso adoptaron preceptos semejantes, aunque orientados hacia el maquinismo y el
uso de materiales industriales. En esta corriente sobresalieron Anton Pevsner
(1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977).
Dadaístas y surrealistas
El anti-arte planeado por los dadaístas y la
valoración del trasfondo psicológico de los objetos y las formas de los
surrealistas dieron lugar a creadores de importancia capital para la evolución
escultórica del siglo XX. Entre estas figuras destacan las siguientes:
Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de
la escultura al presentar como obras de arte, en la década de 1910, una serie
de objetos de la vida cotidiana. Sobresale por su espíritu transgresor su célebre
Urinario (1917).
Kurt Schwitters (1887-1948) fue, junto a Duchamp, el
otro gran exponente de la escultura dadaísta. Alcanzó su mayor dimensión
creativa trabajando con materiales toscos y de desecho, a partir de los cuales
obtenía piezas de notable belleza.
Alberto Giacometti (1901-1966), aportó una personal
interpretación del surrealismo a partir de sus longilíneas imágenes, la mayoría
de ellas en hierro.
Jean Arp (1887-1966) y Joan Miró (1893 -1983 )
realizaron una obra escultórica afín, resultado de una refinada interpretación
de las formas desde postulados surrealistas.
Cabe citar, por último, al rumano Constantin
Brancusi (1876-1957), en cuya obra convergen los principios escultóricos
clásicos, refundidos en clave de vanguardia, aunque sin vinculación a un
movimiento concreto.
La escultura de la segunda mitad del siglo XX
Después del final de la Segunda Guerra
Mundial,muchas de las grandes personalidades de la escultura de vanguardia del
primer tercio de siglo continuaron su producción sin grandes cambios
evolutivos.
Junto a los ya citados Duchamp, Miró o Giacometti,
desarrollaron sus singulares estilos una serie de escultores que aportaron
visiones e interpretaciones muy personales y que, en buena medida, influirían
en los movimientos plásticos de fin de siglo. Cabe destacar entre ellos a los
siguientes:
David Smith (1906-1965) realizó obras de un estilo
rígidamente abstracto, precursor del minimal art.
Alexander Calder (1898-1976), norteamericano, como
el anterior, fue el creador de los singulares móviles, conjuntos de piezas de
hierro, pintadas y articuladas, que constituyeron el primer antecedente de la
escultura cinética.
Jorge Oteiza (1908) y Eduardo Chillida desplegaron
una plástica esquemática en sus planteamientos, pero incorporando elementos
naturalistas.
Henry Moore, por último, desarrolló sobre premisas
muy personales una obra encuadrada dentro del organicismo, en la que adquiría
especial importancia la figura humana deformada a través de huecos, líneas
curvas y grandes volúmenes.
Móvil
| https://www.hiru.eus/documents/21564/940806/arte_036_01p/816b3d03-440b-48f9-8473-441139e49d74?t=1260726075194 |
Alexander Calder, móvil, escultura cinética al aire
libre, (París).
Del pop art al minimal art
La década de los sesenta fue un periodo de
renovación de los planteamientos estéticos de la escultura. La era del pop art
abrió paso a la exaltación visual de lo doméstico, expuesto de la manera más
descarnada. En este movimiento destacaron Claes Oldenburg (n. en 1919), y
George Segal (n. en 1924) y Duane Hanson (n. en 1925), que centraron su
creación en los vaciados en plástico de modelos humanos propios de la era de la
publicidad.
Sobre la premisa de prescindir del elemento humano
como medio de expresión, la escultura de las últimas décadas del siglo XX
experimentó una serie de transformaciones que dieron lugar a escuelas
específicas como las que se enumeran a continuación:
La corriente arte povera italiana utilizó materiales
de desecho sin ninguna tradición escultórica, como trapos, muebles viejos o
residuos de todo tipo.
El minimal art redujo a su expresión más exigua la
expresividad de los objetos, con frecuente recurso a juegos de iluminación e
instalaciones provisionales.
El land art propuso la intervención del escultor en
la naturaleza para emplearla como medio de expresión.
La tendencia a prescindir de la perspectiva humana
se rompería con el llamado body art, en el que el propio cuerpo humano hace las
veces de soporte de la obra escultórica.
| https://www.hiru.eus/documents/21564/940806/arte_036_02p/9818c005-cc49-4661-9c17-eeba24179e23?t=1260726076741 |
Bus riders
George Segal, Bus riders, 1964, (Hirshhorn Museum,
Washington).
Crítica/Opinión de la escultura en el siglo XX
Podemos observar que la evolución tanto en, pintura, arquitectura y en este caso, escultura se va siempre de lo mas complicado, hasta llegar al mínima expresión abstracta.
La escultura contemporánea experimenta una revolución radical en el siglo XX. Las tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la pintura. La ruptura en escultura es más tardía, posiblemente porque los artistas están más atados a la tradición que marcan sus clientes y el coste del material es más elevado que en pintura.
El precursor, a finales del siglo XIX, fue A. Rodin quien aplica los principios impresionistas a la escultura alejándose de las pautas academicistas. Pero la ruptura definitiva la realiza el Cubismo. Los escultores buscarán un nuevo lenguaje expresivo y libertad creadora. Como sucede en la pintura, es difícil clasificar a los escultores en un movimiento u otro porque están en continua evolución.
https://profeanacob.wordpress.com/2017/02/02/la-escultura-vanguardista-del-siglo-xx/
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