Bauhaus, Suprematismo, Art brut, "CoBrA", Instalacionismo.
Bauhaus
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| Sede de la escuela Bauhaus en Dessau http://masdearte.com/media/mov_bauhaus1.jpg |
Por la mayoría es bien sabido que la fundó Walter Gropius en 1918 y que su primera sede fue, momento histórico obliga, Weimar, pero es muy difícil calibrar el valor en su contexto y en el tiempo de la escuela Bauhaus, cuyo enigma alentaron los testimonios de alumnos y profesores, las disensiones y los cambios que conoció a lo largo de su evolución.
En los años en que esta escuela-experimento se llevó a cabo (de 1918 a 1925 en Weimar, de 1925 a 1932 en Dessau y después en una breve y turbulenta etapa en Berlín, hasta su cierre por los nazis en 1933) ocurrieron en la Bauhaus tantísimas cosas que podemos pensar que, incluso mientras se mantuvo, hasta 1928, bajo la dirección de Gropius, no existió una única Bauhaus sino varias y que todas tuvieron que ver con el convulso panorama social y creativo del momento tanto en Alemania como en Europa. Uno de sus principales miembros, Schlemmer, dijo en 1923: Estos cuatro años de vida de la Bauhaus reflejan, no solo un periodo en la historia del arte, sino en la historia misma, también porque la desintegración de una nación y de una era se refleja en ella.
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http://masdearte.com/media/reb_bauhaus2.pngPaul Klee
(1879-1940)
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Para Klee la pintura no era una evasión, sino un instrumento visionario. Un medio de encontrar los mundos paralelos que sospechaban que se escondían tras la llamada realidad.
Para ello utilizó un eficaz instrumento: la abstracción.
Personaje inclasificable en ninguna de las vanguardias (que frecuentó y en las que tuvo buenas amistades), fue siempre por libre, quizás por ello sea hoy tan actual y fresco, nada desfasado.
Un pintor no debe pintar lo que ve, sino lo que se verá.
Suizo de nacimiento viviría casi toda su vida en Alemania, aunque viajó sin descanso por todo el mundo, donde descubrió colores y formas.
Tras un viaje a Italia, se asienta en Munich donde conoce a Kandinsky o Franz Marc y se «une» (recordemos su espíritu libre) al Blaue Reiter (el jinete azul), grupo expresionista.
El jardín del tiempo Lámina
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Viaja a Túnez y Egipto sufre una epifanía:
El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre… el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor.
También le afecta, como no, su paso como soldado en la sangrienta I Guerra Mundial.
Klee enseñó después color en la Bauhaus, pero los nazis tachan su obra de degenerada y se exilia de nuevo a Suiza donde acaba muriendo.
La ironía de Paul Klee en Paris
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La herramienta de Klee era el color y llegó a manipularlo con una enorme precisión y pasión. Color, ritmo, naturaleza, construcción y movimiento. Esos serían sus 5 temas.
Como a Kandinsky, la influencia de la composición musical es evidente en su pintura (fue también un excelente violinista)
Sus cuadros aluden casi siempre a la poesía, la música y los sueños, incluyendo a veces palabras o notas musicales.
Suprematismo
Por mucho que no se diga, los rusos fueron pioneros en arte en los primeros años del siglo XX. Y uno de los creadores más vanguardistas de esos primeros años fue el pintor Kazimir Malévich, que promovía nada menos que la abstracción.
Un universo sin objetos. Sin indicio visual posible. Arte no descriptivo. Quizás conseguir representar «la nada», que viene a ser representarlo todo.
Pero… ¿cómo representar la nada?. Pues sencillamente no se puede, pero sí se puede crear arte centrado sólo en las propiedades físicas de la propia obra. De esa manera quizás el espectador podría llegar a la pura y simple sensación.
Los suprematistas simplifican, ordenan todo, reducen los colores y, así, quizás los espectadores de una obra nos olvidemos que estamos ante una representación, sino ante todo el universo reducido en un cuadrado.
Kazimir Malevich
(1879-1935)
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Kazimir Malevich buscó la simplicidad y la abstracción como máxima expresión del arte. Del arte por el arte. Expulsó toda realidad visible, y basó su obra exclusivamente en la fuerza del color y la geometría.
El artista ruso se enfangó en todos los estilos de sus contemporáneos y de ahí sacó un arte absolutamente experimental, íntegramente rusoy a la vez universal, y plasmó lo más sencillo para crear lo más complejo.
Nacido en 1879 en Kiev (Ucrania), viajó muy joven a Moscú para ser artista. Allí pasó por los estilos más modernos: del impresionismo al simbolismo, después al fauvismo, futurismo y cubismo, hasta dar con un arte propio.
Poco antes de la revolución, alcanza la abstracción total hasta el punto de pintar su mítico «Cuadrado negro sobre fondo blanco», todo un hito de las vanguardias artísticas. Nace así el suprematismo que tanto había buscado, un movimiento que perdica la supremacía de la nada y la representación del mundo a través de formas geométricas.
Tras la Revolución de 1917, Malévich abandona la pintura y se dedica a la docencia, infectando a sus alumnos con las directrices del suprematismo, que derivaría en el constructivismo. Un nuevo arte para una nueva sociedad.
Pero Stalin tenía otras ideas sobre el arte: el conservador realismo socialista, que rechaza toda abstracción y busca lo figurativo.
Art Brut
El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico, sin una formación académica.
Según él, todos tenemos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Es el caso del arte creado por locos, autodidactas, indadaptados, niños, ancianos…
Lo bello era lo contrario de todo lo vital y estimulante. «La belleza es pura secreción de la cultura como los cálculos lo son del riñón», decía Dubuffet. La cultura oficial era tan rígida que ahogaba la invención y estigmatiza como carente de valor todo lo que no entre dentro de sus excluyente límites.
El Art Brut consiste en la ausencia de formación artística, ignorancia de toda tradición cultural, reinvención de las etapas del acto creador, elaboración de la obra en el anonimato y en el desarrollo autárquico de las producciones.
Es por tanto un arte ecléctico, son casi obras «no encasillables», y se caracterizan como un rasgo común por su política de abstención en cuanto a toda operación comercial. El carácter no lucrativo es una regla esencial. A nivel estético abunda de todo, pero se prodrían apreciar características comunes con el expresionismo.
Se le llamó también Arte Marginal, fuera de los límites de la cultura oficial.
Echad un vistazo a la alucinante colección de Art Brut de Dubuffet en Lausanne.
Jean Dubuffet
(1901-1985)
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Jean Dubuffet fue el creador del Art Brut (arte en bruto), la corriente de arte producido por no profesionales que trabajan por fuera de las normas estéticas, libre de las preocupaciones intelectuales. Estamos hablando del arte de, por ejemplo, los pacientes mentales, las culturas primitivas o de los niños.
Dubuffet estudió pintura en el París de 1918, aunque la abandonó intermitentemente para dedicarse al negocio familiar de vinos. De hecho hasta pasados los 40 años no tuvo una exposición individual.
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Su obra se puede considerar surrealista, pero Dubuffet es un artista bastante inclasificable. Quizás sí le fue fiel a la patafísica, corriente cultural paródica dedicada «al estudio de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones».
Siempre con un toque de buen humor, el suyo es un arte irónico, muy grotesco y ejecutado de forma ingenua.
Dubuffet trabajó ante todo con óleo, pero usó muchos otros materiales como arena, alquitrán y paja, consiguiendo unas texturas hasta ahora inusuales.
También trabajó la escultura en poliestireno.
CoBrA
El Grupo «Cobra» o CoBrA es un movimiento artístico fundado en París en 1948 y disuelto en 1951, debido a las disensiones y rivalidades internas así como por la mala salud de sus miembros Asger Jorn y Christian Dotremont. El nombre es el acrónimo de «Copenhague, Bruselas, Ámsterdam», ciudades de origen de los fundadores del movimiento. El movimiento editó 10 números de su propia revista llamada también CoBrA. Formaron parte del grupo «Cobra»: Christian Dotremont, Jacques Calonne, Joseph Noiret, Asger Jorn, Else Alfelt, Karel Appel, Mogens Balle, Ejler Bille, Eugène Brands, Hugo Claus, Constant Nieuwenhuys, Corneille, Pierre Alechinsky, Jan Nieuwenhuys, Lucebert, Pol Bury, Georges Collignon, William Gear, Stephen Gilbert, Svavar Gudnason, Reinhoud d'Haese, Henry Heerup, Egill Jacobsen, Carl-Henning Pedersen, Erik Thommesen, Jacques Doucet y Jean-Michel Atlan. El arquitecto neerlandés Aldo van Eyck fue escenógrafo de las más importantes exposiciones del grupo. El movimiento asimismo incorporó miembros de países como Islandia, Alemania y Francia. El grupo sirvió como plataforma para el lanzamiento individual de sus miembros. Christian Dotremont, secretario general del movimiento serviría desde la disolución como enlace entre los demás miembros. Sus ideas influenciaron la Internacional Situacionista. De manera similar a Jean Dubuffet, veían en el arte primitivo de niños y enfermos mentales el ejemplo de arte libre y original frente a las obras clásicas de historia del arte. Otras referencias del grupo son el folclore nórdico, el expresionismo o al automatismo surrealista. Emanados del surrealismo (y por ende muy ligados al movimiento comunista), los miembros de CoBrA rompen con el comunismo por preferir este último el realismo socialista. Entre sus características se encuentran inicialmente una reacción contra la rigidez de la abstracción geométrica en boga en la década de los 40. También una preferencia por la espontaneidad y el rechazo de teorías preestablecidas, un primitivismo y una violencia deliberados. Son artistas que cultivan varias disciplinas, como poesía, música o pintura.
Karel Appel
(1921-2006)
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Hijo de un peluquero, Appel estudió en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten (Academia de Bellas Artes) de Ámsterdam entre 1940 y 1943 a pesar de la resistencia de sus padres. Allí conoció a Guillaume Corneille y Constant. Su primera exposición data de 1946 y fue en Groninga, seguida de otra en Ámsterdam. Entre sus influencias están Pablo Picasso, Henri Matisse y Jean Dubuffet. Se une al Nederlandse Experimentele Groep (Grupo Experimental Neerlandés) junto a Guillaume Corneille y Constant con quienes funda posteriormente el movimiento CoBrA en 1948, junto con Asger Jorn, Jan Nieuwenhuys y Christian Dotremont. En 1949 un mural suyo en la cafetería del Ayuntamiento de Ámsterdam causó una fuerte controversia y fue cubierto por diez años. En consecuencia Appel partió en 1950 a París, desarrollando su reputación internacional con viajes a México, los Estados Unidos, Brasil y Yugoslavia, dividiendo su residencia entre Nueva York y Florencia. Escultura de Karel Appel en Róterdam Appel está clasificado como pintor expresionista de la segunda mitad del siglo XX. Su obra, si bien se acerca a la abstracción, siempre contiene temas reconocibles (personas, animales, paisajes). Durante su periodo en CoBrA pintaba con vivos colores figuras simples con fuertes delineados.
Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que surge en la década de los 60´s como un movimiento artístico donde la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Es parte de la forma experimental artística, se exhibe por un tiempo predeterminado y se puede presentar en cualquier espacio. Se basa en sacar un objeto del contexto y situarlo en otro para darle utilización estética.
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am June Paik, Electronic Superhighway, Continental U.S., Alaska, Hawaii 1995
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La intervención artística de espacios es una manifestación propia del arte contemporáneo conceptual. El artista propone el concepto dentro de un contexto deseado, las instalaciones pueden presentarse en cualquier espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios físicos, visuales o sonoros, incluso en muchas ocasiones intervienen otras disciplinas artísticas como la fotografía, el videoarte o el performance. Se utiliza cualquier medio para crear una experiencia de interacción con el espectador para despertar sentimientos o reflexiones. Motivan la percepción sensorial en cualquiera de los sentidos, ya sea vista, oído, gusto, tacto y olfato. La instalación artística no solo es el montaje y el ordenamiento de objetos producidos o intervenidos en un espacio o ambiente; las instalaciones tienen sentido en las ideas fundamentadas que concibe y presenta el artista en su obra física o intangible y lo que éstas provocan en la interacción con el espectador.
Opininón/crítica de las vanguardias:
La lucha vanguardista contra el cliché –lo mismo la idée reçue del filisteísmo burgués que el estereotipo industrial de la cultura de masas– reproduce, en una trasposición al ámbito de lo estético, la lucha socrática contra la tiranía de la doxa, la opinión popular. Al describir la doble batalla de la vanguardia contra las convenciones del clasicismo y la mediocridad moderna de lo kitsch, así como la condena modernista de cualquier arte que se imite y repita a sí mismo, los críticos de los años sesenta resolvieron para su época una de las principales lagunas en la historia estética e intelectual del siglo XX. Este análisis del culto de la originalidad se quedó, sin embargo, a medio camino, pues nunca penetró en el núcleo crítico del mito de la vanguardia: la dependencia de la estética modernista con respecto al binomio repetición/originalidad. “La práctica real del arte de vanguardia, escribe Rosalind Krauss, tiende a revelar que la ‘originalidad’ es un supuesto de trabajo que emerge él mismo de un campo de repetición y recurrencia.” Y si el “inconsciente práctico” de la vanguardia tiende a estas revelaciones, su discurso, en cambio, construye a la originalidad como ficción legitimadora, al tiempo que “reprime y desacredita el discurso complementario de la copia”. Nacida en el combate del automatismo de la convención, la vanguardia terminó encarnando el automatismo de la novedad.
Fuentes usadas:
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